Enésima intempestiva fue una exposición comisariada por el equipo curatorial de ON MEDIATION/3 (Gisela Chillida, Roc Dominguez, Natalia Morales, Arnau Oliveres, Alfredo Zubiaur) que tuvo lugar en junio de 2016. Coordinado por Pablo Santaolalla, Olga Sureda, Christian Alonso y dirigido por Martí Peran y Ana Maria Guasch en el marco de AGI (Art Globalization Interculturality).

“Es asombroso: Ahí está el instante presente, pero en un abrir y cerrar de ojos desaparece. (…) Sin embargo, luego regresa como un fantasma perturbando la calma de un presente posterior”

Nietzsche, Friedrich. ​Segunda Intempestiva.

“¿Qué sucedería si un demonio… te dijese: Esta vida, tal como tú la vives actualmente, tal como la has vivido, tendrás que revivirla… una serie infinita de veces?

Nietzsche, Friedrich. ​La Gaya Ciencia.

 

Enésima Intempestiva ​parte del imperativo vital nietzscheano para indicar la necesidad de volver a un tiempo lento. Contrariamente a su propuesta de aprender a mirar al pasado para poder avanzar hacia el futuro, vivimos una sucesión de presentes homogéneos que corren desbocados y sin rumbo. ​Por eso buscamos en lo intempestivo -aquello que se hace u ocurre fuera del tiempo adecuado- la manera de desacelerar este frenesí en el que estamos inmersos. Recuperar un ritmo sosegado es la única manera de recobrar un vida plena que deseemos repetir ​enésimas ​veces. De este modo, tanto la actitud crítica y belicosa que recorre las ​Consideraciones Intempestivas como su idea de eterno retorno nos han servido de punto de partida a partir del cual trazar el marco teórico de la exposición.

1/​ ​Antoni Muntadas ​(Barcelona, 1942), On​ ​Translation​: ​The Pille, 3 estanterías de madera y 43 frascos de vidrio, 2006-2014.

La pieza expuesta pertenece a la serie “On Translation”. En ésta, el artista aborda el tema de la traducción no en su sentido literal sino como un proceso de intercambio entre culturas en el que tienen lugar cuestiones como la comprensión y la interpretación. En ​The Pille presenta 43 palabras clave -​keywords-​ referentes al mundo de la política -seguridad, burocracia, control, diplomacia- y la cultura -religión, ritual, vestido- con sus equivalentes en chino, japonés y coreano.

De este modo, propone un juego poético que señala la urgencia con la que a veces queremos descifrar otras culturas y lenguajes. Si los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo, aprender nuevas lenguas es también aprender también nuevos modos de pensar y sentir. Y es esa interacción la que nos permite acercarnos a temporalidades alternativas. La obra de Muntadas se interesa por las complejas relaciones entre países asiáticos, catalizadoras tanto de conflicto como fuente influencia mutua.

2/​ ​Diogo da Cruz​ (Lisboa, 1992), The Gravity of Time, Presentación performativa e instalación (libro autoeditado, bandera, 6 relojes modificados, GIF y sillas de sala de espera, 2016.

The Gravity of Time indaga en las diferencias entre medición y percepción temporal para cuestionar la velocidad como valor en sí mismo y proponer una actitud vital pausada. Proyecto ambivalente y poliforme que ​nace de su fascinación por los intervalos -los momentos de espera, las ilusiones ópticas o las paradojas temporales- que se oponen a la precisión quirúrgica de las manecillas del reloj para desvelar puntos de quiebre en el tiempo.

El trabajo de Diogo da Cruz, presentado por primera vez en España, busca analogías entre la praxis artística y campos tan dispares como la filosofía, la biología, la neurociencia o la física.

3/​ ​Jaume Clotet​ (Manresa, 1994) y ​Ánder Pérez​ (San Sebastián, 1991) Consume
Dos pantallas LCD, vídeo 13’05”, 2016.

Vanitas contemporánea, Jaume Clotet y Ánder Pérez alertan al espectador de su propia finitud a través de un ​juego lingüístico -consumir es consumirse-.Con una mirada desenfadada, actualizan el tópico barroco del memento mori para avisarnos ya no de la trivialidad de los placeres mundanos sino de la frivolidad del mundo virtual. Porque, ¿Dónde hay más vanidad y falsas apariencias que en las plataformas sociales ​online?​

4/​ ​Esther Ferrer​ (San Sebastián, 1937), Enterramiento: ​Performance​ a varias Velocidades, DVD 20’00”, 2009.

Último ​reenactment y ulterior sepultura de la conocida performance que la artista realizó y transformó por más de dos décadas. Igual que en la mayoría de sus trabajos, se centra en el carácter efímero e irrepetible del tiempo y en la huella que éste deja en el cuerpo humano. ​En ​Enterramiento: Performance a varias velocidades (2009) convierte su acción peripatética en un gesto simbólico que destapa la necesidad y posibilidad de un fin, de un ciclo que se agota pero que estalla en nuevas posibilidades. Como explica Ferrer, del misma forma que ​“los dinosaurios desaparecieron para dar paso a los mamíferos”​, hay acciones que ya no puede repetir “p​ or las huellas del paso del tiempo”​ .

5/​ ​Esther Ferrer​ (San Sebastián, 1937), Dibujo-partitura para “​Performance​ a varias velocidades”, Tinta sobre papel, 21 x 29 cms.

Si actualmente ​el intervalo espacial hasta el destino es únicamente un obstáculo que debe superarse lo más rápido posible: todo debe ser instantáneo, ​Esther Ferrer, con su repetición desacelerada, descubre la importancia del camino como catalizador cognitivo. “​Quiero que piensen, no que sientan”​ . El trayecto deja de ser un mero retardador y adquiere valor por él mismo. A su vez, la repetición se convierte en creadora de sentido en tanto que es la reiteración de un mismo acto de forma cada vez más lenta lo que la dota de contenido.

6/​ ​Jaume Pitarch​ (Barcelona, 1963) Dust to Dust, DVD 17’13”, 2005.

Dust to Dust muestra una acción fuera de toda lógica productiva que dilata el momento presente en un gerundio interminable. En esta época de prisas, la experiencia de la duración es cada vez más insólita y esa incapacidad por demorarse termina por obliterar aquella vida contemplativa que permite el pensamiento. De este modo, Pitarch vindica un tiempo descriptivo y proustiano asociado a un conocimiento profundo de la realidad.

Por otro lado, luego del esfuerzo fútil, todo vuelve al estado de reposo originario convirtiendo la pieza en un eterno retorno de lo mismo. Metáfora de la vida humana según la concepción nietzscheana que afirma que “​el eterno reloj de arena de la existencia se invierte siempre de nuevo, y tú con él, granito del polvo entre el polvo”​ .

7/​ ​Jorge Satorre​ (Ciudad de México, 1979), D53 (1918), D53 (2009), Dos fotografías b/n, 32×18 cm, 2009.

En ​D53, ​Satorre repite la fotografía tomada por el arqueólogo cien años antes y ​recurre a estructuras megalíticas a las que el transcurso de los años parece no afectar​. ​antítesis de la obsolescencia programada de la ​new tech​, estas arquitecturas cultuales indelebles erigidas hace siglos nos introducen en un tiempo mítico contrapuesto a nuestro devenir fluido (Bauman), acelerado (Virilio) y atomizado (Chul-Han).

8/​ ​Lúa Coderch​ (Iquitos, Perú, 1982), The Aspirant, Libro, ​23,5 x 15,5 x 4,5 cm, 2014.

Lúa Coderch se apropia del libro de David Graeber, a su vez reflexión anticapitalista acerca del crédito y de la deuda, para fijarse en la noción de apariencia como base sobre la que se yergue el valor social. De esta manera, la ejecución laboriosa pasa premeditadamente desapercibida y cuanto mayor sea el esfuerzo invertido, menos visible será su trabajo. Este ejercicio paradójico en el que las horas de trabajo invertidas se desdibujan convierte el trabajo manual en una forma de disidencia.

9/​ ​Pol Ricart​ (Barcelona, 1993), This Pill is to Help you Digest this Exhibition, Expositor metálico y comprimidos digestivos, 2015.

Ricart se fija en como nuestra tendencia a acelerar procesos afecta (negativamente) a la recepción del arte contemporáneo. La espera y el arte tienen en común su desdén hacia el utilitarismo, la rentabilidad, la funcionalidad… En diálogo con la pieza de Antoni Muntadas, ​This Pill is to Help you Digest this Exhibition critica nuestra predilección por los bocados rápidos y de fácil digestión. Ante una praxis artística contemporánea que pide tiempo, la sociedad acelerada parece cada vez menos dispuesta a gastar (¿perder?) su tiempo en ella. Por eso, de forma deliberadamente irónica, ofrece un pequeño comprimido en un gesto que equipara pensamiento y digestión con la voluntad de subrayar que ambos responden a una función vital.

10/​ Lucía C. Pino: STE PAST PASE PASTE ASTE I, Flores y objetos, medidas variables, 2016.

Primera parte de una pareja de esculturas site specific inéditas. En STATE PAST PASE PASTE ASTE I, Lucía C.Pino aprende de temporalidades alternativas a “la hora occidental” (Sylviane Agaconski) que cuestionan el tiempo newtoniano -absoluto, verdadero y matemático-. Work in progress votivo dedicado a los umbrales, toma como punto de partida aquellos sucesos que por su intensidad -la violación, el accidente, la muerte- suponen un punto de cesura en nuestras vidas y se fija en cómo este mismo acontecimiento puede ser distintamente percibido en función de nuestras circunstancias vitales.

11/​ Lucía C. Pino: STE PAST PASE PASTE ASTE II, After the Future, Metacrilato, madera y velcro, 2016.

Escultura alegórica site specific que obliga a la ralentización física literal con la voluntad de alertarnos de la violencia que atañe siempre la velocidad. Como ya intuyó el escritor inglés Thomas de Quincey siglo y medio antes, Lucía C. Pino, nos avisa de los peligros de un apresuramiento tan atrayente como fatal. De este modo, esta construcción en frágil equilibrio reclama la detención física en tanto que ésta es imprescindible para la actividad mental.